Del folklore de raíz a las nuevas formas de abordar el tango, la canción y las tradiciones regionales, septiembre de 2026 dejó una serie de discos y EP que revelan un mapa amplio, diverso y en permanente movimiento. En MuLA reunimos 17 lanzamientos que dialogan con la memoria, el territorio y la identidad, pero también con la experimentación y las nuevas formas de escuchar y crear.
Septiembre suele ser un mes particularmente activo para la música argentina y este 2026 no fue la excepción. Entre discos de larga duración, EP, sesiones en vivo y proyectos conceptuales, las producciones reunidas en esta selección recorren geografías y estéticas muy diferentes: Córdoba, Tucumán, Santiago del Estero, Buenos Aires, Santa Fe y otras regiones aparecen como territorios desde los cuales se construyen nuevas canciones y nuevas maneras de acercarse a la tradición.
No se trata de establecer un ranking, sino de ofrecer un recorrido por 17 trabajos que, desde perspectivas muy distintas, tienen algo en común: la decisión de mantener viva la música de raíz mientras la ponen en diálogo con el presente.
1. Savia Mestiza — Rebelde alegría
Savia Mestiza llega a su segundo álbum, Rebelde alegría, con una propuesta que entiende el folclore como una música viva, mestiza y profundamente ligada al presente. Desde Salsipuedes, en las Sierras Chicas cordobesas, el grupo combina raíz latinoamericana con una formación eléctrica de guitarra, bajo y batería, construyendo un sonido potente que no renuncia a la canción ni al paisaje. El monte nativo, la identidad regional y la necesidad de sostener los vínculos comunitarios atraviesan las doce canciones.
El carácter colectivo del álbum se vuelve especialmente evidente en sus invitados: Raly Barrionuevo, Paola Bernal, Pachi Herrera, Mery Murúa, Yami Almaraz, Gonchi Mamonde y una larga lista de músicos participan de este entramado sonoro. Rebelde alegría encuentra justamente allí su mejor definición: una celebración que no desconoce las dificultades del presente, sino que convierte el encuentro, la memoria y la música compartida en una forma de resistencia. El cierre con Vidala de dicha y paz, coral y multitudinario, funciona como síntesis de esa idea.
2. David Robles — Somos Tucumán
David Robles presenta Somos Tucumán, un álbum que asume desde el título una pertenencia y la convierte en repertorio. Diez canciones recorren paisajes, personajes y memorias del Jardín de la República: desde “Aroma de Mandarinas” y “De Simoca” hasta “Nostalgias Tucumanas”, de Atahualpa Yupanqui, y el inevitable “Al Jardín de la República”, de Virgilio Carmona. El resultado es un trabajo de raíz norteña, sostenido por guitarras, bombo legüero, bandoneón y violín, con un sonido criollo y cuidado.
Para Robles, este tercer álbum solista representa también una nueva etapa después de Sentimientos (2015) y Y Volveré (2017). Con una trayectoria iniciada en las peñas y festivales desde muy joven, el cantante tucumano reúne aquí un repertorio donde tradición, paisaje y sentido de pertenencia funcionan como una misma materia. Somos Tucumán es, antes que nada, una declaración de amor a un territorio hecha canción.
3. Pampi Torre — La huella mía
Pampi Torre llega a La huella mía después de un proceso de creación y grabación que se extendió entre 2023 y 2026. La llanura pampeana aparece como punto de partida —la huella como territorio, memoria y marca—, pero el disco se desplaza hacia una canción de raíz contemporánea donde conviven guitarras, bombo legüero, bandoneón, piano, sintetizadores y percusión electrónica. “La gata del conurbano” y “Flores de asfixia”, con las participaciones de Paola Bernal y Luciana Jury, amplían ese mapa hacia los cuerpos, los mandatos y la defensa del monte nativo.
Producido artísticamente junto a Jenny Nager, La huella mía es también el resultado de una construcción paciente y colectiva. La mezcla de Franco Di Pietro y la masterización de Mario Breuer terminan de darle forma a un álbum que busca que la raíz no sea una frontera sino un punto de partida. Las cianotipias que acompañan cada canción refuerzan esa idea: cada tema es una postal, una nueva marca dentro de una geografía personal que Pampi Torre viene construyendo desde hace años.
4. Las Guainas — Para soñarte despierto
Las Guainas, el dúo integrado por las hermanas Lourdes y Sofía Rocha, profundiza en Para soñarte despierto una búsqueda ligada al folklore tradicional argentino. Criadas en una familia numerosa donde la música ocupó desde siempre un lugar central, ambas construyeron su identidad a partir del canto y la guitarra, con una formación que tuvo en Tomás Alonso, integrante de Baqueanos, una influencia decisiva. Lourdes asume la primera guitarra y segunda voz, mientras Sofía se ocupa de la segunda guitarra y la voz principal.
Después de De tanto perseguir (2025), su primer trabajo discográfico, Para soñarte despierto amplía la paleta sonora del dúo con la participación de sus hermanos José Rocha en piano, Tobías Rocha en cello y Miguel Rocha en violín. Los arreglos, construidos colectivamente junto a Tomás Alonso, refuerzan el carácter íntimo y familiar de un proyecto que encuentra en la tradición, la formación musical y los vínculos una manera propia de acercarse al folklore argentino. La producción y grabación estuvieron a cargo de Rafael Escudero.
5. Los 3 del Río — Para vos Tucumán
Los 3 Del Río regresan con Para Vos Tucumán, un EP de cuatro canciones que recupera parte del repertorio de uno de los conjuntos históricos del folklore tucumano. Publicado en plataformas el 20 de septiembre de 2026, el material reúne Para Vos Tucumán, Dibujaré Tu Corazón, Río Rebelde y A Orillitas del Camino, en una sesión registrada en vivo en estudio junto a Estudio Esencias y Kapara Producciones.
Con una historia que comenzó en Tucumán en 1985 como Los del Río, el conjunto construyó su identidad alrededor de las armonías vocales y las guitarras, con Fernando Rossi, Hugo Corbalán y Daniel Astorga entre sus nombres fundamentales. Hoy, con Astorga al frente, Para Vos Tucumán recupera esa sonoridad y la acerca nuevamente a las plataformas digitales. La canción que da título al EP funciona como eje de un repertorio profundamente ligado al paisaje y la identidad tucumana, mientras Río Rebelde incorpora una mirada hacia el cancionero litoraleño.
6. Folclore en Guitarras — De Buena Raíz
“De Buena Raíz”, de Folclore en Guitarras, reúne cinco clásicos del cancionero argentino y latinoamericano en una propuesta íntegramente instrumental. El dúo formado por Joel Herrera y Gastón Menguez, oriundos de Esperanza, Santa Fe, pone las guitarras en primer plano para recorrer “Zamba a Monteros”, “La Calandria”, “Kilómetro 11”, “Que Nadie Sepa Mi Sufrir” y “Tonada del Viejo Amor”, con arreglos que combinan la precisión de la guitarra de concierto con el espíritu espontáneo de la guitarreada.
Publicado el 18 de septiembre de 2026, el EP suma 18 minutos y 27 segundos de música y forma parte de un proyecto cultural más amplio que lleva el mismo nombre. El dúo, ganador de la medalla de oro en las Olimpíadas de Guitarra de Volos, Grecia, y del certamen “Una Esperanza a Cosquín” en 2024 y 2025, también desarrolla el Ciclo de Música y Cultura “De Buena Raíz”, seleccionado y financiado por Espacio Santafesino. El resultado es un trabajo que vuelve a las melodías conocidas desde el lenguaje de dos guitarras, entre la tradición, la técnica y la intimidad.
7. Maxi Acosta — Región danza
Región danza propone un mapa musical de las danzas nativas y tradicionales argentinas. En nueve piezas, Maxi Acosta recorre distintos territorios y ritmos —pala pala, bailecito, chacarera del monte, triunfo, cueca neuquina, firmeza, cueca cuyana y jota cordobesa— con una mirada puesta tanto en la preservación del repertorio como en su utilización por bailarines, ballets y escuelas. El recorrido suma invitados que aportan el color de cada región, entre ellos La Callejera, Pachi Herrera, Magalí Gómez, Adrián Maggi y Matías Rivas.
El proyecto recupera formas coreográficas que tienen poca presencia en las grabaciones actuales y las registra respetando las estructuras necesarias para la danza. Producido por el propio Acosta y con mezcla y masterización de Andrés “Andy” Carnero, el disco encuentra en Jotita Serrana un cierre particular: la participación de Piñón Fijo y Doña Jovita incorpora humor, identidad serrana y memoria popular a este recorrido por el mapa coreográfico argentino.
8. Pablo Guzmán — Quintaesencia
Quintaesencia es un álbum instrumental de diez piezas en el que Pablo Guzmán lleva la guitarra clásica hacia un territorio de fuerte impronta compositiva y contemporánea. El disco se articula alrededor de dos obras centrales: la Suite Iniciática, que atraviesa cuatro movimientos hasta desembocar en Invocación y Huayno, y las Cuatro Piezas Orwellianas, inspiradas en 1984 de George Orwell y sus ministerios de la Verdad, la Abundancia, la Paz y el Amor. El recorrido se completa con Valle de la Desmemoria y Asir el Viento.
Compuesto y registrado en directo algunos años antes de su publicación, el material atravesó un prolongado proceso de mezcla y masterización junto a Jorge Petta. La guitarra de Guzmán dialoga con las cuerdas en una obra que combina formación académica, experimentación y elementos vinculados al folklore andino. Quintaesencia propone así una escucha alejada de la canción tradicional y centrada en la construcción de atmósferas, tensiones y paisajes sonoros.
9. Daniela Azás — Blanco y negro
Blanco y Negro encuentra a Daniela Azás en un repertorio que cruza folklore, tango, milonga y canción latinoamericana desde una interpretación íntima y de fuerte carácter. El disco reúne diez canciones que van de “El violín de Becho”, de Alfredo Zitarrosa, a “Nunca te dije nada”, de Omar Moreno Palacios, pasando por “Milonga arrabalera”, “Soy lo prohibido” y “Será una noche”. La presencia de Ernesto Snajer, Agustín Guerrero, Juan Martín Scalerandi, Lorena Astudillo y Javi Caminos amplía el registro de un trabajo donde la voz ocupa el centro de la escena.
Con producción artística de Javi Caminos y Leandro Marquesano, el álbum apuesta por una sonoridad acústica, despojada y expresiva. Entre canciones de autores fundamentales y una composición propia —“Hoy decidí”, con letra de Azás—, Blanco y Negro construye un recorrido por distintas tradiciones de la música popular argentina y rioplatense, sostenido por una intérprete que vuelve a poner en primer plano la canción y sus matices.
10. Amores Tangos — Charán Chan Chan
Charán Chan Chan, de Amores Tangos, es un EP pensado especialmente para acercar el tango a las infancias. Editado en septiembre de 2026, reúne cinco canciones que cruzan el lenguaje del género con el juego, la imaginación y la canción infantil, con invitados como Magdalena Fleitas, Nilocos, Laila Straimel y Mica Sancho. El repertorio incluye composiciones propias y una particular versión de “Pequeña”, el vals de Osmar Maderna y Homero Manzi, convertido aquí en canción de cuna.
El proyecto, dirigido por Jose Luis Teixidó, conserva la instrumentación y el sonido de la orquesta de Amores Tangos, sin convertir al tango en una versión simplificada para chicos. El propio nombre del EP remite al clásico remate rítmico de las milongas, mientras que la participación de Magdalena Teixidó en “La Orquesta del Río de la Plata” suma además una dimensión familiar al proyecto. Así, Charán Chan Chan propone un encuentro entre generaciones a partir de la música rioplatense.
11. Verónica Costa & Andrés Linetzky — Tangos Antes del Fin / Che, Tango
Tangos Antes Del Fin / Che, Tango, de Verónica Costa y Andrés Linetzky, reúne en doce canciones una mirada íntima y teatral sobre el tango. El proyecto, construido alrededor del piano de Linetzky y la interpretación de Costa, parte de clásicos como “Yuyo verde”, “Garúa”, “Melodía de arrabal” y “Café La Humedad”, pero también incorpora nuevas composiciones y repertorios que amplían el mapa de la propuesta.
Entre las novedades se destaca “Che, tango”, con música de Linetzky y letra de Costa, una obra que plantea un diálogo contemporáneo entre una mujer y el género; y “Pero está lindo el barrio”, de Alejandro Dolina, que abre además una nueva línea de trabajo para el dúo. Grabado en simultáneo en Estudios Moebio, voz y piano conservan en cada interpretación el pulso y los silencios propios de una ejecución compartida, reforzando el carácter nocturno, cercano y escénico del álbum.
12. Melingo — Tangos Bajos Rework
“Tangos Bajos Rework” recupera y expande el universo creado por Daniel Melingo en 1998, pero lejos de plantearse como una simple regrabación. El proyecto revisita aquellas canciones de tango arrabalero, oscuro y marginal desde un cruce con el rock, la cumbia villera, la murga y las nuevas escenas urbanas, incorporando colaboraciones que amplían el paisaje sonoro original. La guitarra, el contrabajo y los arreglos de su ensamble de cabecera, El Trío, sostienen ese pulso crudo y porteño mientras las nuevas versiones confrontan generaciones y lenguajes.
La obra forma parte además de un proyecto audiovisual que documenta los encuentros de Melingo con los distintos invitados durante el proceso de grabación. Presentado oficialmente el 21 de septiembre de 2026 en el Teatro Coliseo, el álbum fue declarado de Interés Cultural por la Legislatura porteña. Así, “Tangos Bajos Rework” funciona como una nueva lectura de una obra fundamental en el recorrido solista de Melingo, trasladando su particular mitología del arrabal hacia un presente atravesado por otros sonidos y otras voces.
13. Mateo Martínez — Marea plateada
Marea Plateada, de Mateo Martínez, es un álbum breve e íntimo de ocho canciones que profundiza en una canción de autor atravesada por el folklore rioplatense. En poco más de 23 minutos, el músico recorre imágenes de la naturaleza, los vínculos, la sanación y los ciclos personales, con títulos como “Sobre los Árboles”, “La Luz entre los Dos”, “Los Besos Sanan” y “Vuelvo a Ser”. La guitarra criolla y una voz cálida sostienen una propuesta deliberadamente despojada.
Publicado el 25 de septiembre de 2026, el disco fue concebido y grabado íntegramente por Martínez en su casa, siguiendo una lógica artesanal que también alcanza a su portada, registrada por el propio artista. Más que perseguir una producción pulida, Marea Plateada apuesta por conservar la huella de quien escribe, interpreta y construye las canciones. Es, en ese sentido, un trabajo de cercanía: ocho pequeñas piezas que encuentran en lo cotidiano, el paisaje marítimo y la introspección su materia poética.
14. Julio Javier Mansilla — Un Resto De Mi Ayer
Con 15 canciones, Un Resto De Mi Ayer es un álbum que recupera el pulso santiagueño desde una mirada atravesada por la memoria, el amor y el territorio. Julio Javier Mansilla reúne chacareras, zambas y canciones de inspiración norteña en un repertorio donde conviven la nostalgia y la vitalidad de las composiciones propias. El resultado es un trabajo de formato amplio, construido desde guitarras, bombo y violín, que apuesta por una sonoridad ligada a la tradición y al espíritu de la peña.
El disco también funciona como una memoria personal y familiar. Abuelos de Mi Santiago recupera la pertenencia y el vínculo con la tierra de origen, mientras que canciones como Un Juego de Enamorados, Razón del Amor Herido y Mi Dulce Enamorada transitan la canción romántica desde una sensibilidad clásica. Hacia el final, Eso Era la Salamanca incorpora el imaginario mítico del norte argentino y le aporta al álbum una dimensión ligada a las leyendas y al misterio. Después de varios adelantos publicados durante 2024 y 2025, Un Resto De Mi Ayer reúne finalmente ese recorrido en una obra que mira hacia atrás sin dejar de construir presente.
15. Mistura — Mistusession #1 (en vivo)
Mistura presenta Mistusession #1 (En vivo), una sesión compacta que lleva al registro la energía de sus presentaciones y su particular manera de entender el folklore desde el cruce. El lanzamiento reúne Sabes y un medley que enlaza Hijo de Hombre, Si Paro El Tiempo y 506, en poco más de seis minutos donde conviven canción popular, raíz folklórica y una interpretación acústica de fuerte dinámica.
La sesión, estrenada audiovisualmente en septiembre de 2026 y registrada en Maya Studio, Córdoba, cuenta con producción musical de Lukas Bruera y la participación de Aaron Ariñez Gutiérrez en bajo. Nacida en 2019 y con músicos de Jujuy y Córdoba, Mistura define su propuesta como “folklore misturiado”: una búsqueda que desarma las fronteras del género para cruzarlo con el rock, los ritmos carnavaleros y canciones provenientes de otros universos musicales. Mistusession #1 funciona como una fotografía en vivo de esa identidad.
16. El Deschave — El Deschave
El Deschave es el EP debut homónimo de este trío nacido en San Justo, donde el tango orillero, las guitarras rioplatenses y la tradición murguera se encuentran con una marcada identidad del conurbano bonaerense. En apenas cuatro canciones —“Cautivo”, “La Madrugada”, “Remolino” y “Toda Mi Vida”— el grupo construye un repertorio que combina composiciones propias con una relectura del clásico de Aníbal Troilo y Homero Manzi, llevado aquí a un formato despojado de guitarras, guitarrón y voz.
Martín Prestía, Nicolás Kerr y Germán Layna sostienen una propuesta que encuentra en la palabra “deschave” una definición posible de su búsqueda: poner al descubierto historias, emociones y escenas del barrio. Publicado en septiembre de 2026, el EP funciona como una primera declaración estética: canciones de noches largas, esquinas suburbanas y melancolías cotidianas, tocadas con una crudeza que recupera el espíritu criollo del tango y lo cruza con el pulso popular del Río de la Plata.
17. Jo Alcobruni — LA MAGIA
“LA MAGIA”, primer disco solista de Jo Alcobruni, reúne siete canciones en poco más de veinte minutos, con una propuesta acústica e íntima donde el bandoneón dialoga con la canción de autor, el folk y la música rioplatense. El repertorio incluye colaboraciones con Mila Andersen, Joaquín del Mundo, la peruana Nuria Saba y, especialmente, Raúl Lavié en “Nada más que dos”, un encuentro que conecta distintas generaciones y tradiciones musicales.
El álbum nació durante la pandemia, cuando Alcobruni regresó a Tandil y encontró en la composición una forma de continuar creando en medio de la incertidumbre. Grabado en Estudio Cabríos y masterizado por Andrés Mayo, cuenta con guitarras, bajo, teclados y batería que acompañan al bandoneón sin desplazar el carácter despojado de las canciones. Antes de iniciar este camino solista, Alcobruni desarrolló una extensa trayectoria como músico de sesión, trabajando junto a artistas argentinos e internacionales; “LA MAGIA” representa así una nueva etapa en ese recorrido.
Una música de raíz que sigue en movimiento
Los 17 lanzamientos reunidos en este recorrido muestran, desde perspectivas muy diferentes, la vitalidad de la música argentina de raíz. Hay discos profundamente ligados al territorio y a la memoria, proyectos que recuperan danzas y repertorios tradicionales, canciones que buscan nuevas formas de decir y propuestas que llevan el folklore y el tango hacia territorios de experimentación, cámara, infancia y música urbana.
Más que una fotografía estática de la escena, esta selección permite reconocer un movimiento permanente. La tradición aparece una y otra vez, pero nunca exactamente en el mismo lugar: se transforma en nuevas voces, nuevos arreglos, cruces generacionales y distintas maneras de relacionarse con el pasado. En ese diálogo entre lo que permanece y lo que cambia se encuentra, quizás, una de las claves para entender la música de raíz que se está produciendo hoy.
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