Del folklore al tango, de la canción de autor a las búsquedas instrumentales, la selección de esta semana reúne propuestas de distintas procedencias y tradiciones que dan cuenta de la amplitud de la escena musical argentina.
La agenda discográfica de esta semana reúne 16 lanzamientos que muestran una escena musical diversa, tanto por sus lenguajes como por sus procedencias. El folklore convive con el tango, la canción urbana y las exploraciones instrumentales, mientras las grabaciones en vivo y los proyectos de cámara amplían el mapa de formatos y sonoridades. Hay artistas con trayectorias consolidadas y proyectos que encuentran su lugar desde búsquedas propias, unidos por una relación particular con sus territorios y tradiciones. En este nuevo recorrido de Lanzamientos de viernes, Revista MuLA presenta una selección que evita reducir la música argentina a un único sonido y propone escuchar las distintas formas en que se construye, se transforma y circula.
Soledad — Vale la pena
Arequito, Santa Fe / Sony Music
En Vale la pena, Soledad Pastorutti vuelve sobre una pregunta que atraviesa buena parte de su recorrido: qué significa elegir cómo vivir después de los años, las experiencias y los cambios. Compuesto por Afo Verde, el álbum reúne diez canciones y presenta una mirada que combina memoria, presente y proyección hacia el futuro. «Este álbum no es solamente una celebración del pasado. Es una declaración de cómo elijo vivir mi presente y mirar hacia adelante», señala la artista. La idea también se expresa en el deseo de que cada oyente encuentre en las canciones algún punto de contacto con su propia historia. Musicalmente, el trabajo se ubica en el cruce entre el pop latino y las raíces populares, con estructuras breves y directas que priorizan la melodía y los estribillos. Lejos de la energía folklórica que marcó sus comienzos con Poncho al viento, Soledad consolida una identidad artística capaz de moverse entre distintos lenguajes sin abandonar el vínculo con sus orígenes.
El repertorio alterna diferentes climas y registros: Borracha y Qué gran día se orientan hacia un perfil festivo, mientras que Amigas propone un espacio para los afectos y los vínculos personales. Argentina, por su parte, introduce la dimensión colectiva y nacional, una zona expresiva que forma parte de la trayectoria de una cantante acostumbrada a convertir sus interpretaciones en momentos de identificación compartida. El cierre con Veredas completa un recorrido que, desde el propio título, invita a pensar el camino transitado y las decisiones que todavía quedan por delante. En este disco, la tradición no funciona como una obligación estilística, sino como parte de un lenguaje más amplio, atravesado por el pop y las formas contemporáneas de la música popular. Nacida en Arequito, Santa Fe, Soledad construyó una carrera que la llevó de los festivales folklóricos a los grandes escenarios internacionales sin perder su referencia territorial. Vale la pena se inscribe en esa evolución y suma nuevas canciones a un repertorio que comenzará a medirse con el público en vivo, entre otros escenarios, en el festival República del Folklore, previsto para noviembre de 2026.
CAiLE – NO DISTRAIGAS
San Juan, Argentina / Independiente
CAiLE propone una lectura del folklore cuyano que busca sostener sus raíces sin quedar atada a las formas tradicionales. La consigna que define al grupo, «Raíz que abraza el presente», funciona como una declaración de principios: no se trata de elegir entre tradición y modernidad, sino de explorar el espacio donde ambas pueden encontrarse. Consolidada en la capital sanjuanina a mediados de 2025, la banda reúne músicos con recorridos previos en el rock, el pop y el folklore de la región. Esa experiencia se traduce en una interpretación sólida, con una instrumentación que incorpora batería y bajo a las estructuras folklóricas. Los arreglos de Matías Sánchez, responsable también de la producción general, articulan esos elementos sin desplazar el pulso cuyano. Las voces de Andrés Cantos y Fabio Lemos aportan matices y armonías que amplían las posibilidades expresivas del conjunto.
La apertura con Chacarera del candil, junto a Chaco Andrada, de La Callejera, instala el costado más enérgico del EP. En contraste, Zamba de tu piel, Alba azul y Secreto del alma despliegan una dimensión más introspectiva. Estas composiciones propias llevan el conflicto contemporáneo al centro de las letras: el ruido de las pantallas, la velocidad de la rutina y la dificultad de sostener encuentros cara a cara. Allí aparece uno de los aspectos más interesantes de la propuesta: renovar el lenguaje del folklore no solo desde el sonido, sino también desde los temas que aborda. El nombre CAiLE —una invitación a acercarse— acompaña esa búsqueda de cercanía con el público. El resultado es un proyecto que intenta construir un puente entre generaciones y demuestra que la raíz no necesita permanecer inmóvil para conservar su identidad.
César Frette Trío — Saber de Pueblo (Folklore Argentino)
San Roque, Corrientes / Estudio Río Producciones
En Saber de Pueblo, César Frette Trío construye un recorrido por la música del litoral que encuentra en el acordeón y el bandoneón sus principales voces, sin limitarse a reproducir las formas tradicionales del chamamé. A lo largo de doce canciones, el conjunto combina melodías de raíz popular, exploraciones instrumentales y cruces con otros lenguajes musicales. El título remite a un conocimiento transmitido entre generaciones, ligado a la escucha, el territorio y la práctica musical. La trayectoria de Frette, nacido en Quilmes y criado desde sus primeros meses en San Roque, Corrientes, ayuda a comprender esa pertenencia. Formado bajo la tutela del maestro Roque Librado González, el músico desarrolla una interpretación en la que la tradición litoraleña convive con una elaboración técnica y expresiva de gran riqueza.
La apertura con Llanto del Saucedal, junto a Pancho Figueroa, establece un diálogo entre distintas vertientes del folklore argentino. Luego, el repertorio alterna canciones y piezas instrumentales, con espacio para el despliegue del fuelle y el entramado rítmico de guitarras y bajo. Suite del Guitarrero y Mis Mudanzas muestran la amplitud de una búsqueda que reconoce la herencia correntina y explora sus posibilidades instrumentales, mientras que Modo Tango extiende el recorrido hacia el universo rioplatense. Editado por Estudios Río Producciones, Saber de Pueblo encuentra su fortaleza en el equilibrio entre pertenencia y exploración: la precisión de los arreglos no desplaza el pulso popular ni diluye la raíz de la música. El resultado es un álbum que entiende la tradición como una práctica viva, capaz de conservarse y renovarse a través de nuevas interpretaciones.
Pablo Dacal — El Otro Lado
Ciudad de Buenos Aires / Fuego Amigo Discos
Con más de veinte años de trayectoria en la canción urbana y la escena independiente porteña, Pablo Dacal emprende en El Otro Lado una búsqueda que lo acerca a las sonoridades criollas y al paisaje de la llanura pampeana. Compuesto y grabado en Belén de Escobar, el álbum reúne 12 canciones y que parece responder a una decisión estética antes que a una limitación de formato. Las piezas avanzan sin rodeos: melodías, versos y arreglos que privilegian la síntesis, sin extenderse en solos ni recurrir a una producción recargada. Esa economía expresiva permite que la canción conserve el centro de la escena y que cada tema encuentre su forma sin necesidad de expandirse. El disco propone así un desplazamiento en la trayectoria de Dacal, que vuelve la mirada hacia las raíces musicales bonaerenses desde una perspectiva personal.
Publicado por Fuego Amigo Discos, sello asociado a distintas expresiones de la música independiente, El Otro Lado también invita a revisar las fronteras entre folklore y experimentación. Que una obra de raíz criolla encuentre lugar en un catálogo vinculado con el indie, el post-punk y el pop alternativo no resulta un detalle menor: habla de un territorio musical en el que las etiquetas pierden rigidez y las tradiciones pueden adquirir nuevos sentidos. En este caso, la búsqueda no pasa por modernizar el folklore mediante artificios, sino por recuperar la fuerza de sus formas breves y de su vínculo con el paisaje. Dacal, nacido y criado en Buenos Aires, se acerca a la llanura sin renunciar a su recorrido dentro de la canción urbana. El resultado es un trabajo que encuentra en la sencillez una forma de profundidad y en la tradición criolla un espacio fértil para seguir explorando. El músico presentará el álbum el jueves 29 de octubre, a las 20:30, en la Sala Batato Barea del Centro Cultural Ricardo Rojas, en la Ciudad de Buenos Aires.
Embrujo de Mi Tierra Dúo — Cruz del Sur Nuestro Rumbo
Ciudad de Buenos Aires / Independiente
En su álbum debut, Cruz del Sur Nuestro Rumbo, Melisa San Marco y Sebastián Espinosa proponen una búsqueda musical que se aparta de la lógica del sencillo aislado para construir un recorrido con identidad propia. Formado en la Ciudad de Buenos Aires en 2024, Embrujo de Mi Tierra Dúo sostiene su propuesta sobre una instrumentación acústica y despojada: las guitarras y el bombo legüero de Espinosa dialogan con la flauta traversa de San Marco, mientras las voces entrelazadas funcionan como eje interpretativo. En ocho canciones, el dúo desarrolla un lenguaje que mira hacia distintos paisajes de la Argentina y de América Latina, sin recurrir a una instrumentación recargada. La flauta aporta una textura aérea que amplía los colores habituales del formato folklórico, mientras los arreglos vocales mantienen la cohesión de un repertorio que combina composiciones propias con obras del cancionero latinoamericano.
La dimensión territorial atraviesa el disco desde su apertura con Abya Yala Profunda, una declaración de principios que remite a las raíces precolombinas del continente. Esa perspectiva encuentra una expresión concreta en Espíritu de Río, composición propia que toma al río Uruguay como paisaje y motivo de reflexión: la belleza natural convive allí con la preocupación por la contaminación y la intervención humana. El folklore aparece así como una forma de narrar el presente y de poner en circulación inquietudes que exceden lo estrictamente musical. En el otro extremo del recorrido, Bello Lago Titicaca, registrado en formato de live session, desplaza la escucha hacia el universo andino y amplía el mapa sonoro del dúo más allá de las fronteras argentinas. Entre la búsqueda identitaria, la conciencia ambiental y el trabajo acústico, Cruz del Sur Nuestro Rumbo presenta a un proyecto que encuentra en la tradición un punto de partida para construir una voz propia. El álbum tendrá su presentación oficial el domingo 8 de noviembre, a las 20:30, en Bargoglio, en el barrio porteño de Flores.
Yunta Mambo — SESSION EN VIVO Estudio Romaphonic (Live)
Paraná, Entre Ríos / Independiente
Grabado en vivo en los Estudios Romaphonic, el EP de Yunta Mambo reúne tres piezas que funcionan como una declaración de principios: la tradición folklórica argentina puede convivir con el rock y las músicas latinoamericanas sin perder identidad. El sexteto entrerriano enlaza la chacarera La Estrella Azul, de Peteco Carabajal, con Despiértate Nena, de Pescado Rabioso, y cruza la poesía de Te Voy a Contar un Sueño, de Jacinto Piedra, con la fuerza continental de Latinoamérica, de Calle 13. Entre ambos medleys, Zamba de Lozano, de Gustavo “Cuchi” Leguizamón y Manuel J. Castilla, aporta otra perspectiva sobre el cancionero popular. Los cruces no parecen responder a una provocación calculada, sino a una búsqueda que, según la propia historia del grupo, nació en los ensayos y terminó convirtiéndose en una marca de su identidad musical.
La grabación captura el entramado de tres guitarras, bajo y percusión, con un sonido orgánico que privilegia la energía del conjunto y el diálogo entre las voces. El cierre, que une la sensibilidad de Jacinto Piedra con la mirada política y latinoamericanista de Calle 13, condensa el espíritu de una propuesta que encuentra puntos de contacto entre repertorios de distintas generaciones y procedencias. Nacida en Paraná en 2023, Yunta Mambo construyó su recorrido en el circuito independiente y alcanzó las instancias finales del Pre Cosquín, además de celebrar sus primeras cien presentaciones en vivo. Este registro en Romaphonic traslada esa experiencia al estudio sin disimular la potencia del directo. Más que una colección de versiones, SESSION EN VIVO Estudio Romaphonic (Live) propone escuchar el folklore como un lenguaje abierto, capaz de dialogar con el rock y la canción latinoamericana desde una interpretación colectiva, intensa y contemporánea.
Andrea Bazán y Caro Bonillo — Sin Prisa
Haedo – Jáuregui, Buenos Aires / Independiente
En Sin Prisa, su segundo álbum de estudio después de Pa’ Despenar (2021), Andrea Bazán construye un trabajo compartido con la compositora, arregladora y multinstrumentista Caro Bonillo. Las diez canciones, concebidas y grabadas de manera autogestiva en un estudio hogareño de Ranchos, provincia de Buenos Aires, encuentran en esa intimidad una forma de producción que privilegia el detalle y la organicidad. La guitarra y el piano acompañan un recorrido rítmico que atraviesa distintas geografías musicales: del vals y la chacarera trunca a la chamarrita, la huella, la tonada y la cueca. La participación de Bonillo en todo el repertorio, tanto desde la composición como desde la construcción sonora, da cuenta de una sociedad artística que va más allá del acompañamiento. Ambas músicas llevan años compartiendo escenarios como guitarristas de Susy Shock, una complicidad que aquí se traslada al estudio y sostiene el carácter horizontal del proyecto.
La diversidad rítmica no es un simple despliegue de recursos: permite que cada canción encuentre su propio carácter sin perder la unidad del álbum. Si Vos se apoya en la cadencia del vals y Huella del amor sin prisa recupera el pulso de la llanura pampeana, Mientras leva rompe el recorrido más reconocible del folklore argentino con un baión de raíz brasileña, acompañado por el Coro Rancheño. En otro registro, Canción para Tehuel, con letra de Morena García y la participación vocal de Susy Shock, introduce una dimensión política y colectiva. El homenaje a Tehuel de la Torre, joven trans desaparecido en 2021, convierte la canción en un ejercicio de memoria que se aparta de cualquier mirada meramente contemplativa sobre la tradición. En esa búsqueda también se reconoce el recorrido de Bazán y Bonillo dentro de la escena transfeminista y disidente. Sin Prisa encuentra así su sentido en la convivencia entre los ritmos de raíz, la experimentación y una perspectiva que entiende la música popular como un territorio vivo, capaz de alojar otras voces, historias y formas de pertenencia.
Lisandro Adrover — Doble Concierto Para Cello, Bandoneón Y Orquesta
San Pedro, Buenos Aires / Independiente
En Doble Concierto Para Cello, Bandoneón Y Orquesta, Lisandro Adrover lleva el lenguaje del tango al terreno sinfónico mediante una obra estructurada en tres movimientos, que reúne la expresividad del bandoneón y el violonchelo con la amplitud sonora de una orquesta. La propuesta se inscribe en una tradición que encuentra en Astor Piazzolla uno de sus grandes referentes: la posibilidad de expandir las formas del género sin desprenderse de su identidad rioplatense. El contraste entre ambos instrumentos solistas constituye el núcleo expresivo de la composición. Mientras el violonchelo aporta profundidad, lirismo y una cualidad melancólica, el bandoneón introduce su fraseo inconfundible, con ataques rítmicos y modulaciones que remiten al pulso urbano. En ese diálogo, la orquesta no funciona únicamente como acompañamiento, sino como un espacio de tensión y expansión dramática en el que la tradición tanguera y la escritura académica encuentran un terreno común.
Los tres movimientos permiten recorrer distintos climas, desde los pasajes de mayor intensidad rítmica hasta los momentos de introspección en los que el cello y el bandoneón parecen intercambiar susurros y lamentos. El cierre concentra las exigencias técnicas de la obra y recupera la energía del tango de vanguardia, con síncopas y contrapuntos que ponen a prueba el diálogo entre los solistas y el conjunto orquestal. La trayectoria de Adrover ayuda a dimensionar esta búsqueda: nacido en San Pedro en 1945, fue arreglador de la orquesta de Osvaldo Pugliese, trabajó con José Basso y desarrolló una extensa carrera internacional vinculada a grandes producciones de tango, entre ellas Forever Tango. Editada en 2026 de manera independiente, la grabación reúne una síntesis de ese recorrido artístico. Doble Concierto Para Cello, Bandoneón Y Orquesta propone así una aproximación al tango desde una escala sinfónica, sin renunciar al carácter expresivo del fueye ni a la tensión rítmica que sostiene la música ciudadana.
Los de Santa Cruz — Ya Vas a Volver
Santa Cruz, departamento Famatina, La Rioja / Independiente
Con dos canciones, Ya Vas a Volver apuesta por un folklore pensado para el baile, la peña y el encuentro colectivo. Publicado en 2026, el EP continúa el camino iniciado por el conjunto riojano con Fiesta Criolla (2024). La chacarera que da nombre al lanzamiento combina una estructura rítmica directa y bailable con una historia de desamor y orgullo herido: quien alguna vez se fue descubrirá demasiado tarde que ya no hay regreso posible. El relato sentimental, habitual en el cancionero popular, encuentra su fuerza en el cruce entre la letra y el impulso rítmico, con una interpretación que privilegia la energía del conjunto y la llegada de los estribillos.
La formación de ocho integrantes construye una sonoridad expansiva, con voces, guitarras, bajo y bombos al servicio de una propuesta de vocación festivalera. Su procedencia, Santa Cruz, en el departamento riojano de Famatina, aporta un marco territorial vinculado a las tradiciones musicales del interior del país. El EP se completa con Te Quiero Así y concentra su apuesta en dos piezas breves, sin desarrollos extensos ni rodeos instrumentales. En tiempos en que los lanzamientos digitales privilegian cada vez más los formatos cortos, Los de Santa Cruz sostienen una identidad basada en la interpretación colectiva y la eficacia de la canción popular. Ya Vas a Volver no busca reformular las convenciones del género, sino mantenerlas en movimiento, entre la escucha, el baile y la celebración compartida.
Matías Chain — Chorrillero cantor
Villa Mercedes, San Luis / Independiente
En su segundo álbum de larga duración, sucesor de Resonar (2024), Matías Chain profundiza una búsqueda vinculada con la identidad musical de Cuyo y, particularmente, con el paisaje cultural de Villa Mercedes. Chorrillero cantor reúne doce canciones que recuperan tonadas, cuecas, zambas y otras formas del cancionero regional, con la guitarra criolla como eje de una propuesta que combina tradición y producción contemporánea. Grabado en Casa de la Música, en Villa Mercedes, el disco se distingue también por su dimensión colectiva: las colaboraciones atraviesan buena parte del repertorio y convocan a músicos de la escena independiente cuyana. Lejos de limitarse a una reivindicación nostálgica del género, Chain construye un espacio de encuentro entre distintas voces e instrumentistas, con Rodrigo Bravo y Jonatan Pizarro entre los guitarristas que contribuyen a delinear el sonido del álbum.
El tema homónimo, junto a Rodrigo Bravo, funciona como una síntesis de esa identidad territorial, mientras que el recorrido por las doce piezas propone distintas aproximaciones a los ritmos y las formas poéticas de la región. La presencia de invitados en casi todo el repertorio refuerza la idea de que el folklore también se construye desde la colaboración y la circulación de saberes entre músicos. La excepción es Tonada de lluvia y nostalgia, que presenta a Chain sin compañía y permite concentrarse en su faceta interpretativa. El cierre, Tus ojos, reúne a Leonardo Aguilera, Damaris Magallanes y Silver Cardona, y devuelve el protagonismo al trabajo compartido. En Chorrillero cantor, la raíz cuyana no aparece como una pieza inmóvil del pasado, sino como una tradición que sigue encontrando nuevas formas de expresión en quienes la interpretan. Un cancionero que mira hacia el territorio propio y, al mismo tiempo, se proyecta desde allí hacia el presente.
Emilia Siede & Felipe Esquibel — Finales Inesperados
Neuquén – San Francisco, Córdoba (ambos radicados en Montevideo) / Independiente
En Finales Inesperados, Emilia Siede y Felipe Esquibel toman la poética de la murga uruguaya como punto de partida para construir un repertorio en el que las versiones y las composiciones propias dialogan desde una identidad común. El EP recupera dos retiradas emblemáticas del género: la de El Corso del Ser Humano, de Agarrate Catalina (2007), y el cierre de ¡Qué racha!, de Don Timoteo (2014). Ambas condensan una de las marcas profundas de la murga: convertir la despedida en una reflexión colectiva sobre la vida, el tiempo y la condición humana. Lejos de limitarse a reproducir ese legado, el dúo lo incorpora a una propuesta propia, en la que la tradición funciona como punto de partida para nuevas lecturas.
El recorrido se completa con tres composiciones de Siede —Alquimia, Panza Llena y Romper los Espejos—, que amplían el universo del EP y ponen en diálogo la escritura personal con el lenguaje murguero. Nacidos de recorridos musicales ligados al Gran Buenos Aires, Siede, criada en Florida y formada en la Escuela de Música Popular de Avellaneda, y Esquibel, guitarrista y docente oriundo de Haedo, encuentran en este trabajo un espacio para explorar la circulación de la murga más allá de su territorio de origen. Finales Inesperados muestra así cómo una tradición uruguaya puede encontrar resonancia al otro lado del Río de la Plata y convertirse en materia de creación para la escena independiente argentina.
Impulso Sur — Impulso Sur
Concepción del Uruguay, Entre Ríos / Independiente
En su álbum homónimo, Impulso Sur reúne once canciones propias en las que el paisaje entrerriano funciona como territorio musical y poético. El cuarteto construye una propuesta que parte de la tradición litoraleña, pero evita quedar encerrada en las formas más reconocibles del género. Las guitarras de Bruno Zuluaga, la percusión de Sebastián Martínez, el bajo y la voz de Diego Brossard y, especialmente, la armónica de Marcelino Wendeler configuran una identidad sonora en la que conviven la raíz folklórica y una sensibilidad urbana y rioplatense. Las composiciones recorren distintos ritmos y climas, con el formato canción como eje de una búsqueda que incorpora colores de otras músicas del continente. El río, la costa y la vida cotidiana aparecen como referencias que dan unidad a un repertorio diverso.
La armónica de Wendeler ocupa un lugar central en ese entramado: sus intervenciones se integran a las melodías y adquieren por momentos el carácter de una segunda voz, como sucede en Una Canción y El Instante. La escritura, a cargo principalmente del propio Wendeler, encuentra en el paisaje fluvial una fuente de imágenes que atraviesa títulos como El Río y Su Reflejo. Entre los invitados se destacan el cantautor entrerriano Damián Lemes, en Mano a Mano, y el violinista Iñaki Segovia, en No Se Apure Tanto, dos participaciones que amplían los matices del disco. Desde Concepción del Uruguay, el cuarteto reúne la experiencia de un proyecto autogestivo en una obra que apuesta por las composiciones propias y una identidad litoraleña abierta a otras sonoridades. En este recorrido, el río Uruguay es mucho más que un escenario: constituye una referencia cultural desde la cual contar historias y explorar nuevas formas de la música popular.
Facundo Galli — En vivo en el CAFF
Chapadmalal, Buenos Aires / Club del Disco
Grabado el 19 de junio de 2026 en el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF), el álbum reúne 22 canciones en un recorrido por distintas etapas del repertorio de Facundo Galli. Obras de discos como Liebre (2016), Tren (2019) y Las melodías (2025) encuentran aquí nuevas formas en un formato íntimo, sostenido por la guitarra, las voces y el piano de Facundo Miranda. Lejos de reproducir las versiones de estudio, el concierto apuesta por los matices, las pausas y el diálogo entre los músicos. Miranda cumple un papel central: sus arreglos construyen climas teatrales y cinematográficos que acompañan las presentaciones habladas de Galli y enlazan las canciones en una suerte de relato continuo. El resultado conserva la espontaneidad del encuentro y permite apreciar una dimensión de su obra en la que la interpretación y la palabra tienen el mismo peso.
El murmullo de las mesas, las risas ocasionales, los silencios atentos y los aplausos forman parte de la grabación sin convertirse en un mero decorado. En ese intercambio con el público, canciones como Pájaro de la alegría y Fogonera adquieren una intensidad particular, mientras Cuervito y Caminito de tierra recuperan el lugar que ocupan en su cancionero. Galli trabaja con una poética de lo cotidiano: el barrio, los recuerdos familiares, la radio y las pequeñas escenas de la vida encuentran en sus letras una forma de narración cercana, vinculada con la tradición de la canción de autor y la trova rioplatense. Publicado en plataformas digitales el 16 de octubre, En vivo en el CAFF documenta un concierto y, al mismo tiempo, ofrece una nueva lectura de un repertorio construido a lo largo de una década. Su mayor virtud reside en esa cercanía: la sensación de asistir a una reunión en la que las canciones se comparten, se cuentan y vuelven a cobrar sentido frente a quienes las escuchan.
Hernán Frizzera y Sebastián Colavecchia — De un tiempo a esta parte
Ciudad de Buenos Aires / Acqua Records
En De un tiempo a esta parte, Hernán Frizzera profundiza una concepción del tango que encuentra en el diálogo entre la voz y la guitarra su principal fortaleza. A lo largo de trece canciones, el cantor y el guitarrista y arreglador Sebastián Colavecchia construyen un repertorio de clima íntimo, alejado de la grandilocuencia orquestal y cercano a la tradición criolla de los boliches y las sobremesas porteñas. Segundo trabajo discográfico concebido íntegramente por ambos, después de Cantata Buenos Aires (2023), el álbum articula una interpretación de fraseo clásico con arreglos que acompañan la voz sin quitarle protagonismo. La nostalgia, los amores truncos, el paso del tiempo y los desencantos de la vida urbana atraviesan títulos como Ordenando fracasos, Mejor que lo deje así y Amor sin aventura. En Viejo Tortoni, además, la geografía cultural de Buenos Aires se convierte en materia de evocación, como sucede tantas veces en un género que encuentra en sus bares, calles y personajes una parte esencial de su identidad.
El recorrido se enriquece con las voces invitadas, que aportan diferentes matices al universo interpretativo de Frizzera. El cruce con el Chino Laborde en Fangal suma una impronta arrabalera, mientras que Luis Filipelli participa en Sexto piso y Daniel Olivera en Ordenando fracasos. También se destacan Vanina Tagini en Al filo del otoño, Patricia Duarte en Amor sin aventura y Priscila Frizzera en Un cielo y un jazmín, donde el encuentro familiar introduce otra dimensión al repertorio. Editado por Acqua Records, el álbum se mueve entre el tango y el vals criollo, con Valsecito perdido como parte de ese tránsito por distintas cadencias de la canción rioplatense. La voz de Frizzera y la guitarra de Colavecchia sostienen una propuesta que apuesta por la interpretación, el peso de las palabras y la economía de recursos. En tiempos de búsquedas sonoras diversas, De un tiempo a esta parte reivindica la vigencia del formato acústico tradicional y demuestra que el tango todavía encuentra nuevas formas de decirse sin renunciar a su memoria.
Clara Presta — Folclorito
Villa Dolores, Córdoba / Mapa
En Folclorito, Clara Presta reúne ocho canciones y construye un universo sonoro que privilegia la síntesis, los matices y la delicadeza. En lugar de apoyarse en grandes estribillos o desarrollos instrumentales extensos, el álbum propone pequeñas postales musicales, piezas breves que encuentran su identidad en las texturas acústicas y en una interpretación atenta a los detalles. La brevedad funciona como una decisión estética: cada canción parece detenerse en una imagen o una sensación antes de que la música pierda su capacidad de sugerencia. Formada en el Conservatorio de Música Félix T. Garzón, en Córdoba, Presta desarrolla una búsqueda que dialoga con las raíces folklóricas desde una sensibilidad contemporánea, abierta a otros lenguajes y posibilidades expresivas.
Las colaboraciones amplían ese horizonte sin desdibujar la intimidad del conjunto. En Las dos Marías, la participación de Lola Parda, creadora de La Jacinta, introduce una dimensión teatral que conecta con las expresiones performáticas del folklore bonaerense. Para renacer, en tanto, suma a la cantante madrileña Miryam Latrece y abre el repertorio a sutiles cruces con el jazz y las músicas del mundo. Estos encuentros no aparecen como simples intervenciones invitadas, sino como oportunidades para expandir el lenguaje del álbum y poner en diálogo distintas tradiciones. En Folclorito, Presta encuentra en la economía de recursos una forma de exploración: canciones pequeñas en duración, pero abiertas en sus posibilidades sonoras, que invitan a escuchar con atención y a descubrir aquello que sucede entre las melodías, las voces y los silencios.
Cintia Trigo y Martiniano Tanoni — 10 años después
Temperley y Banfield, Buenos Aires / Independiente
Hay discos que encuentran su momento de publicación mucho después de haber sido concebidos. 10 años después reúne dos grabaciones de Cintia Trigo y Martiniano Tanoni registradas en 2015, durante las sesiones de Días sin años, de Escalera Banda, que quedaron fuera de la edición final y permanecieron archivadas durante una década. Recuperadas y remasterizadas en 2026 por Pablo Sensottera, estas canciones llegan al público como una pequeña cápsula del tiempo. El recorrido comienza con Desarma y sangra, de Charly García, cuya versión acústica desplaza el peso del original de Serú Girán hacia una sonoridad más íntima. El piano de Tanoni, la guitarra de Trigo y el violín de Sebastián Calise construyen un entramado delicado, cercano a una música de cámara urbana, que deja en primer plano la vulnerabilidad de la composición. La interpretación no busca competir con la intensidad de la versión original, sino encontrar otro modo de habitarla.
En Sin Adiós, canción de autoría integral de Trigo, el diálogo entre guitarra y piano sostiene una melancolía despojada. La voz recorre las ausencias y los quiebres temporales sin recurrir a grandes gestos, mientras el acompañamiento de Tanoni aporta profundidad sin quitarle protagonismo a la palabra. La escucha adquiere una dimensión particular al conocer el origen de las grabaciones: esa voz conserva la frescura de un registro realizado diez años atrás y, al mismo tiempo, queda ligada a un momento que ya no existe. La distancia entre la interpretación y su publicación transforma el EP en algo más que el rescate de dos canciones. Es también la recuperación de una escena musical y de un instante creativo del Conurbano Sur bonaerense, desde el estudio de Llavallol donde se registró el material hasta su posterior puesta en circulación. 10 años después encuentra en ese desfase temporal su mayor singularidad: canciones sobre la despedida que, una década después, vuelven a encontrarse con quienes las escuchan.
El mapa sonoro de la Argentina sigue creciendo
Los dieciséis discos reunidos en esta edición ponen en circulación repertorios y sonoridades que van desde el folklore litoraleño y el tango hasta la murga uruguaya, la canción rioplatense y las búsquedas instrumentales. Cada lanzamiento encuentra su punto de partida en una tradición, un territorio o una forma particular de abordar la composición y la interpretación. Esa variedad define el recorrido de esta semana en Lanzamientos de viernes de Revista MuLA.
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